Conditioning

Quello che mi ha sempre affascinato di Conditioning è come il basso e i sintetizzatori si intrecciano in un ritmo che sembra respirare da solo. Il brano non inizia con un colpo drammatico, ma con una base melodica che si ripete con una precisione quasi ipnotica, come se ogni nota fosse calcolata per agganciarti senza che te ne accorga. Il basso, in particolare, porta avanti la melodia principale con un suono rotondo e leggermente nasale, tipico dei sintetizzatori analogici degli anni Ottanta, ma con un groove che non sembra meccanico: sembra di qualcuno che sta godendo di ciò che fa.

È stato registrato in uno studio di Londra con Rupert Hine alla produzione, un tipo che all’epoca già aveva fama di giocare con texture e strati sonori invece di cercare semplicemente il volume. L’ingegnere del suono era Stephen W. Tayler, che ha catturato quell’equilibrio tra pulito e organico, come se il brano fosse stato registrato in un’unica take senza troppi ritocchi. Dura quattro minuti e mezzo, ma in quel tempo riesce a fare qualcosa di raro: non sembra un pezzo di riempimento, ma una composizione che richiede attenzione. Non è il brano più noto dell’album, ma se lo ascolti con le cuffie, capirai perché chi lo conosce lo ricorda.